teamLab创始人揭秘无界美术馆奥义
一年吸引230多万人次打卡的东京teamLab无界美术馆,终于来到魔都!11月5日,6600㎡的无边界艺术空间,50件超美艺术作品将在上海黄浦滨江揭开面纱,创始人猪子寿之和梨视频在开幕之际畅谈幕后的创作灵感。
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一年吸引230多万人次打卡的东京teamLab无界美术馆,终于来到魔都!11月5日,6600㎡的无边界艺术空间,50件超美艺术作品将在上海黄浦滨江揭开面纱,创始人猪子寿之和梨视频在开幕之际畅谈幕后的创作灵感。
2016年“油罐艺术公园”签约落地
经过2年的等待
再过2天(3月23日)
这个集展览、绿地、教育中心和餐厅于一体
占地超过60000㎡的艺术公园
将正式对外开放
其“主角”——原中航油油库5个油罐
内部究竟长啥样
一起来先睹为快!(本文抜粋)
看完视频,是不是已经有点小激动了?或者说你很幸运,这个未来极有可能成为排队网红的打卡点,你已经先睹为快了。(本文抜粋)
来源:央视网
更新时间:2017年10月22日 12:44
视频简介:世界奇特餐厅:日本光影餐厅,打造美食光影盛宴。
作为一支全球范围内最受欢迎的新媒体艺术团体,teamLab 的中国之行也引发了足够多的关注。一个月前,teamLab 的中国首次大型展览在佩斯北京开幕,来自现场的视频和照片随即充满了观众们的手机内存和各大社交网络平台,这种近乎狂热的景象对于艺术展览来说并不多见。正如展览名称——“花舞森林与未来游乐园"——所示,这个由400多名计算机工程师、 动画设计师、建筑师、数学家等各领域专家组成的“超级技术小组",将展览现场变成了一个全沉浸式的乐园。观众踏进展览空间之时,即宣告与真实世界彻底隔绝,目之所及全是无穷无尽且不断变幻的数字花朵、LED 灯光与反射镜像,声音与气味亦与之相互伴随。(Excerpt from the text)
随着技术革命和不断进步的数字创新,看起来已经被广泛接受成为美学表达手段的视频和数字艺术,才不过是冰山一角罢了. 这已经非常明显了,尤其在9名国际艺术家创办了13年的新加坡一贯艺术展上,展现的更加明显。这个展览名为“体验机器",一直开到10月27日。
我在丹戎巴葛欣赏一贯艺术展时,完全被这些超现实主义的景观震撼了。而这些景观是我共同参与创造的,我认为这是来自东京的团体实验室最有创意和令人着迷的作品。他们的CEO是猪子寿之先生(生于1977年)。 “世界是那么可爱,那么的美丽"这件作品由团体实验室创造,他们拥有来自不同国家的数百名交叉学科人员。他们和紫舟先生合作,紫舟先生是一名探索日本汉字的情感和视觉力量的倡导者,他和音乐家高桥英明合作。
尽管交互作品已经兴起一段时间了,但是他并不仅是字面上理解的那样把观众变成自我创建的世界中一部分,让他们去体会作为创造者的感受。
在为了这样种特殊目的建造的空间中,所有东西一开始都是黑色的,就像地球被创造出来之前一样。直到汉字标记从被我们触摸的四壁或阴影中随机出现时,才会出现变化。触摸到花的标记,整个空间就会充满花朵。如果是鸟的标记和树标记同时出现,这个空间中又会出现成群飞行的小鸟落在树枝上。而当你触摸了风的标记,屏幕上所有的东西都会被风吹走,包括那些汉字。如果同时触摸花和蝴蝶的标记,蝴蝶们会自动寻找花朵。从纽约搬到新加坡还不到一年的画廊主真田一贯介绍说,这里所有的角色都被设计成具有人工智能的。
当我站在黑暗中,目睹月亮出现,照耀出的整个绚丽夜景,感觉犹如经历了创世纪中的故事一般。当然,区别也是显而易见的,只要你触摸另一个标记,之前的所有场景都会立刻消失,被新场景取而代之了,这似乎也在暗示我们世间事物的短暂易逝。同样,人为的干预操作也可理解为人类在自然界必须扮演应有的角色和作用。在2012年春季欧洲最大的虚拟现实沙龙Laval Virtual上,这件作品被评为建筑、艺术、和文化奖。团体实验室的另一件作品,花与尸 剥落,将平面日本画转换制作成为的3D立体空间,旨在表现亚洲和西方艺术的审美区别。团体实验室说,古代日本人是由内心出发作画的,模糊主观和客观,也没有聚焦的焦点之处,而西方美术更强调透视、几何以及客体的重要性。
2011年9月8日CEDEC 2011第三天,主题演讲来自“超级技术团体Teamlab"的董事长猪子寿之先生,『信息化社会,国际互联网,数字艺术,日本文化』。
提起艺术这个词本身,有些让人捉摸不透,但本次演讲丝毫不空洞并且引人入胜。下面便是当时的情景。关于Teamlab Teamlab是这样一个团体,它由一群技术专家聚合在一起,从事创作以及在创作过程中探索新发现。这么说可能还不清楚,会场上便首先介绍了Teamlab的作品。
最先登场的是“『传统』新春特别公演『龙与牡丹』—剑舞/影画—"。这是一部把宽幅数字技术应用到舞美上的作品。“剑客(实际表演者)与影子交战于舞台之上",大家都被这样的介绍所吸引,来者络绎不绝。
另一个作品是“互动型衣架"。由于Teamlab从事大量电商网站业务,为了提高销售额他们开发出这种摆放在实体店铺里的数字广告牌。它构造简单,人们只要把挂了衣服(商品)的衣架拿在手中,屏幕上便会出现衣服穿在身上的样子。据称,这是把“电商网站购买服装时显示试穿效果"的经验反映在真实世界里的一个新尝试。
互动型衣架有趣的地方在于,它使用简单,如同在CD碟片店里用查询机一样,不需要什么新操作。“新行为对顾客的素养提出了一定要求。而新行为却不一定带来新价值,我们期望能在现有的行为中添加新价值",出于此理念,互动型衣架便诞生了。来自于超级玛丽的启发“享受行为本身" 猪子很注重“行为"。他受“超级玛丽"启发,又经茶道而确信了行为本身的特征。这背后还有更深层次的含义。
“超级玛丽作为游戏来说怎么都好,而打游戏行为本身就很有乐趣。也就是说,不是为了什么目的而去行动,我们消费的是行为本身"猪子说道,经过对茶道的调查他更加确信了这种想法。 猪子先生曾偶然读到一本约一百年前关于茶的书,其中记述了英国茶,中国茶还有日本茶。“英国茶和中国茶都明确提到怎样沏茶才可口,然而关于日本茶,作者却写道『很不一般的是,日本茶似乎忘记了沏茶的目的是享受喝茶。』"
猪子先生认为,日本茶道注重“沏茶方式的格调",“与外界沟通",“更高的精神世界",普通人认为应该沏完茶之后马上喝掉,而日本人认为把茶杯先转一圈再喝更有美感。他说“这就是摒弃了本来的具体目的,而乐在消费行为其中的做法。这就是日本的文化"。接口互联网 持消费行为这个观点的猪子先生,认为信息化社会中,“曾占据主要地位的商品和空间,现在都变成了连接网络的接口",对于自己的互动型衣架,他说“我只是把衣架看作一个接口而已"。
关于把行为当作其他目的的连接口,猪子先生反复做了很多实验,这里介绍另一个例子,Teamlab开发的『Teamlab之球』。
Teamlab之球由漂浮的大球构成,内置传感器和光源。一碰球就会变颜色并发出声音。各个球之间也会互相作用,使得观众如同踏入交互式音像世界。 这个尝试,使得原本是欣赏音乐家在舞台上演奏的观众,也恍惚间自己成为了主角的场景。数字技术的特殊性 信息化社会里也有别的变化。猪子先生认为与此变化相关,“在已经实现语言化的领域里,共享速度非常快,信息已不再是确立竞争优势的条件了"。
以前技术有国界之分。“比如说发展中国家和发达国家的冶铁技术就存在差异"猪子语。
然而,数字技术却可瞬间共享。因此,发达国家光靠它无法保持优势。大家可以想象一下近几年风靡一时的社交游戏,瞬间便涌现出大量的“克隆品"来。
极端来说,数字技术完全是程序写成,一旦整体复制,即可获得与真品完全一样的东西。 猪子先生说,从别的意思上来说,数字技术与以前的产物完全不同。 “迄今为止的技术背后都是自然科学。自然科学研究的是物理世界的现象,再将其中的客观共性抽象出来。比如说汽车,时速100公里,100马力,这都属于客观表述。"比如说人见人爱的坦克,装甲的厚度,全体长,全体高等数据都是用来标记最终成品的。 然而,数字技术却从一开始就和物理世界没关系。“数字技术是人类主观行动集体引发的现象,把『现在正在发生的事情』抽出来,应用到技术中去"的东西。判断一个网页有多好,往往通过浏览次数,链接数,停留时间,登录用户数等等,这与前面“坦克装甲的厚度"的数值意思完全不一样——网页并不是通过页面容量大小来判断优劣的。
“因此最终归结要到人的主观思维。谷歌的页面排名反应的是『现在的状况』。重排列之后,很多时候人们都会主观上觉得『方便』了。"发达国家的优势是文化 基于分析这种信息化社会的前提,我们提问到,日本该以哪种产业为基础去竞争呢?
“日本有科技立国之说,靠科技力量建立优势地位"。日本汽车曾经风靡全球,在世界舞台上傲视群雄。但按照猪子的说法,信息化社会中这种差别已经消失。那么靠什么怎么样才能确立优势呢? 对于这个问题,猪子给出的回答是“发达国家的优势在于文化"。
“特别是文化依赖度高,语言无法描述的领域——比如说『酷,可爱,喜欢,有趣』等,发达国家有优势"。
例如,iPhone刚出现时,比iPhone好的手机不是没有。可现在却是iPhone引领世界潮流,这并不是由于它的性能参数(前例的坦克装甲厚度)比其他的要好。 当然自然而然就会有文化依赖度高的领域不太容易渗透到其他文化圈去的这种问题。
关于这点,猪子说“世界上人大体都是差不多的。比起受众的差别,施众的差别影响更大"。也就是说,从受众的角度来看,文化即便有差异,但“好东西总归是好的"。而从施众的角度看,文化的差别则严重影响到底能做出多好的东西。
猪子接着说,“文化依赖度高的领域容易产生差异,会直接影响到竞争力。也就是说,在文化依赖度高的领域里能用技术重构的产业,是发达国家唯一可以涉足的产业"。日本文化再分析 低调的Teamlab对于探究自己的文化抱有强烈的兴趣。
“解析文化,是我们自创业以来一直坚持的。这包括文化背后的东西,即,如何理解世界,世上有哪些思想,如何拥有美的意识,以及与其他国家的差别等。"猪子众人为了明晰这一切,开始了艺术作品的创作。 猪子继续说,“早在西方文明到来之前,日本人就对理解世界有着浓厚的兴趣",放眼过去日本人作的画便可得知。他问时常自问,“比如说,日本画是平面的,把实际亲眼所见的世界原封不动的画出来岂不是更好?"
经常会有人评论日本画,说因为日本没有透视法因此画成了平面图。实际上,日本人是在用日本画的视角去看待空间。如同现代人看到照片,即可感受到空间一样。 是不是日本画与西方透视法理论构造不一样?抱着这种疑问,Teamlab制作了多幅作品,下面一一介绍。百年海图卷 『百年海图卷』是2009年的作品,全长25米,整幅作品是视频在工字型的墙壁上流淌。下图是台北展出时的视频。
该作品假设“日本画采用的是与透视法不一样的理论构造创作出来的",先在电脑上作出空间,然后按照一定的逻辑作出日本画。
猪子先生说“日本画有很多与透视法不同的优点",他举例道“日本画没有焦点,因此观众无需站在指定位置"。比如,看电影时电影院最中间的位置最好,离得越远越差。然而“没有焦点的日本画不受观众位置所左右,观众可以自由来回走动"。
其次,视频投影面不一定得是平面。百年海图卷中有90度直角弯曲,现场看下来完全没有问题。大家把它想象成画在屏风上的日本画,就很容易理解了。
当然也有缺点,日本画缺少客观物理性质上的宏观表现信息。花与尸 接下来是2008年的作品『花与尸』。这也是用三维模型重现日本画。
通常的美术作品,总会在作品空间内设定一个视点。然而『花与尸』却在由CG制作的空间内设了12个视点。
在卢浮宫展出时,把不同的视点与摆放在实体空间内的显示器位置一一对应。将这12个视点重现在实际空间里。
一般来说,12个视点全在一个空间时,显示器上播出来的图像往往是一模一样的。12个人同时在播放器上播放第一人称射击游戏的动画,虽然会有很多不同画面,但其中不乏及其相似的画面。
用日本画的逻辑去解析空间,从12个视点看出去的画都是完全独立的。不知不觉,观众便可移步换景。生命是生命力的展现 这是2011年的最新作品。在立体空间内书写生命力的是“生"字的书法,通过动画展现出生命诞生的模样。
该作品也是把日本画投影到三维空间,其静止图像就跟看平面日本画一样。视频一动起来,平面日本画就变身为立体的了。
猪子先生以此为据,推测说“透视法传到日本之前,日本人是从立体角度来看待日本画的"。层次的空间表现 『生命是生命力的展现』中,视点与目标(三维空间里书写的『生』字)相当近。与之不同的花与尸则是宽广的空间。二者都基于同样的理论,但花与尸使用了层次表现手法。
看过实际的『花与尸』的人,常常会发出感慨“用了这么多层次,不嫌复杂么"。而猪子先生本人在冷静的重新分析之后,决定还是用多层次的表现方法。
猪子先生考量的是,“日本式的空间认识是立体的看近距离的物体,要想把握全体空间,必须得把空间分层次来看"。“正是因为日本人把空间分层来看,因此反过来设计空间时,也应当按层次来设计"。
猪子先生用寺庙庭园举例说明如何用层次来表现空间。几乎所有的日本庭园都是按层次来设计的。而西方则采用透视法来设计庭院,从某个视点看过去及其漂亮。
西方人用透视法来看待空间,设计时也遵照此法,以向内里移动作为前提。 日本人把空间看作不同的层次,因此空间设计也分层。这种分层的设计,使得横向走动观赏风景时也能保持美感——也就是说,猪子先生下结论道,“人们对空间认识的不同,直接反映到了设计中。"超级玛丽和勇者斗恶龙式日本画 在分层表现的空间里,横向移动余地比较大,这也体现在游戏中。比如超级玛丽就是用的分层背景。
“这应该是日本传统的空间美被无意识继承下来的结果。也就是说,日本人自然而然的采用横向设计其实就是分层设计,用很少的要素勾勒出空间的做法,其实是下意识的行为"。
另外,洛中洛外图那样的大和绘所采用的理论构造和美术表现,也和『勇者斗恶龙』的画面美术表现如出一辙。猪子先生推测说,不同的是,大和绘从物体侧面去描画,是为了和卷轴方向保持一致。『勇者斗恶龙』没有从侧面去描画,可能是因为左右两边都要求能滚动。
超级玛丽的舞台选择地图和大和绘用的是完全相同的理论构造。与地面平行的桥和垂直的梯子,实际上是是同样的物体表现,“这种空间表现在大和绘中稀松平常,而在西洋画法中却很罕见"。支持“角色视角"的日本独有的空间表现 西方的透视法从画者的视点出发勾画一个扇形空间。如果画中有人物登场,以该人物的第一视角出发,看到的风景也不尽相同(肖像画能看到看画的人)。
想象一下第一人称射击游戏『KillCam』就很容易理解了。射击者自身和被击的对手看到的画面完全不同。 大和绘里不强调视点的概念,空间把握与透视法相差迥异(请看下图)。日本画里的人物,即使是从不同人的视点去看,也几乎都一样。
猪子先生事先声明“这样把握空间的做法可能会被人诟病",同时指出透视法也有类似的不自然的问题。
“人眼的焦点极其狭窄。但是无论图片在眼前还是在远处,却都能看得清楚"。实际上人眼就跟照片或蒙娜丽莎的画一样,天生就不能一次性看尽全部细节。
“人在短时间内眼睛焦点频动,通过大脑合成焦点所在的那个狭小范围的图像。不过是类似于透视法的成像啦"。也就是说,人眼像一台低级照相机不停的把周围的图像摄下来,大量的图片经由一定的法则在大脑内合成图像,由此去理解透视空间。 以前的日本人认为,空间全体是要均等把握才能看世界。从而出现了大和绘中的那些人物。 “与透视法不同,以画中人物的视角来看大和绘,即使变换了角度风景也几乎不变,这样就可以连续的看下去"——有些难懂,参照猪子先生提供的游戏画面就不难理解了。
“勇者斗恶龙是角色扮演游戏。一边玩一边增长经验。而在角色扮演之时,使得画面保持不变的就是游戏的空间表现了"。确实如此,从角色的视角去看这个游戏画面是没有变化的。
“勇者斗恶龙这种二维游戏在全世界取得了胜利,正是因为先人将日本独特的美术表现无意识继承下来的结果。" 前面也说过,采用西方的透视法无法切换画中人物的视角,结果是“只能通过手,或操纵杆,或飞机员座舱来操控表现",也即第一人称射击游戏的表现形式。画面中角色面向不同方向看到的风景也不一样。
“日本的美术表现与游戏产业相辅相成,因此日本的游戏产业才能盛行全球。而电影则适合以第一人称为视点中心的西方美术表现形式。因此日本的导演再怎么努力,也无法超越西方电影作品"。猪子先生提出了如是假说。 “今后还会有更多的产业诞生。能发挥我们自己文化优势的产业可以在世上幸存下去。我们清楚的知道由游戏和漫画培育而成的日本文化优势在何方。加强意识,发挥优势,我们就能做出走向世界的产品",猪子先生说道。
“日本的优势和西方的优势不一样,三维表现是透视法,可能西方在三维游戏上的优势更大些。所以最近游戏产业形势不太好。但,无论如何,我们都要努力!"猪子先生以此作为结束语完成了演讲。提问解答最后还有些提问时间,简单介绍如下。提问:
关于日本画的表现形式,西方人的意见如何,他们能不能理解?猪子:
人都是差不多的。能力也差别不大。受先人和周围环境影响,累积至今才有了这么多差异。创造力只不过是在这重重积累上加了些“锦上添花"的东西。
我是在家庭游戏机和漫画的陪伴下长大的,所以会有这样的美术表现意识。日本的美术表现手法多种多样,并且都是在不知不觉中演变的,受此潜移默化才成就了今天的我。
说到『美』有多种多样,西方认为有通过透视法观看到的美,还有不平衡美。
日本人更认同平衡美。西方庭园都是左右对称,而在日本禅寺庭园里,岩石假山都是不对称分布的。但大家也认同这样的美。即使是完全对称的Kitty猫的脸,大家也觉得非常可爱。 这种美的背后是文化的积累。用这种方式创作出作品,即使是没有同样文化积累的人也能引起共鸣。比如会觉得禅寺美啦,kitty猫可爱啦。
同理,日本人虽然在平衡美的环境中长大,但是也会称赞凡尔赛宫的美。
人对美的认识空间很广,文化就是在这广阔空间里由奇异点积蓄而成。日本人可以创作出kitty猫或者小悟空的发型,那都是平衡美的积累。所以,作为设计者,即便我觉得凡尔赛宫美,我也没法做出可以和西方人匹敌的不对称美的作品。对于这个问题,我的回答是,我是不会去问外国人想法的。提问:
人类个体物理差异并不大。但为什么文化差异如此之大呢?为什么日本和其他国家不一样?猪子:
透视法也好,大和绘也好,都是大脑内的合成图。人脑感知空间更像是软件功能。为什么有差异很难说。
但是,西方认为人敌不过自然,人是被自然支配的对象。两千年前,地球表面70%都被森林所覆盖。欧洲几乎全是森林。可现在英国的森林覆盖率才8%,多的地方也才20%多。日本却能一直保持70%的覆盖率,非常了不起。这是因为日本人一直把人看作自然的一份子。
想与自然共存,而森林中混乱无序,透视法没机会发挥作用。事实上,即使把照片拿给丛林居民看,他们也看不懂。
另一方面,我们生活中随处可见人造物体,比如笔直的大路上间隔5米排列的街灯,生活在这种环境下很容易就能理解透视法。这可以解释对自然的理解不同产生了不同文化的现象。作者:德冈正肇
感谢各位与PUBLIC-IMAGE.ORG结缘的作家,编辑们,让“WORLD CULTURE REPORT(世界文化报道)"时时都有世界各地的最新报道与读者分享。 这回的编者古屋藏人给我们带来的是来自意大利威尼斯的艺术大典——威尼斯双年展上的报道。
文:古屋藏人大家好,我是小编古屋藏人。
我是一个视频和图片设计编辑,却想去就去,跑去参观了威尼斯双年展。那里既不研讨艺术,也没几个熟识的美术家,但作为世界上最大的艺术盛典——威尼斯双年展,我想着怎么也得去参加一次。受这种业余兴趣的驱使,我一作兴便买了机票。
承蒙极少数几个参展日本人之一的团体实验室猪子寿之先生的关照,他帮我预约了员工巴士。我经历了三天的媒体预展会,非常享受这次的双年展。下面就请随我一起回顾吧,iPhone照片同时奉上。团体实验室的参展作品是本网站也曾报道过的“生命即生命力的展现"视频。
团体实验室,书法:紫舟“生命即生命力的展现"(2011)
在以台湾和中国大陆作家为主的卫星展馆『FUTURE PASS』内展出时的模样。展出持续到2011年11月6日为止。第一天
到达威尼斯的同时,与团体实验室的员工一起进入设置展馆。 可是却发现作品与显示器都还没送到。
好惊讶!原来时值双年展的媒体预展会前日,威尼斯水上巴士全线罢工。
空荡荡的展馆里参展作品还没到达,气氛都有些沉闷。我反正不是工作人员,隐约觉得待在那里也无趣,便出发去附近的自然历史博物馆。
博物馆并未出现在导游书的推荐栏里,没有客人,也丝毫感受不到双年展的气氛,但却相当灵。最终团体实验室的作品也没布置成。第一天就这么结束了……第二天
一早到达展馆,好像有什么争执的样子。一问才知道,由于工作人员的失误,没给我们分配双年展自由行的记者证……哇哦!这样的话只能威尼斯观光一下就结束了。完全颠覆了这次旅行的目的。大家都很焦急,团体实验室的员工抱怨了半天,最终搞到手两张写了中国女作家名字的记者证。
亚洲人无论是中国人还是日本人,都不太在意被搞错性别。团体实验室的员工和我一行四人非常的严肃的进行了一场剪刀石头布之战,最终我和猪子先生取得了入场券。因为第二天不得不把入场券让给另外两人,我们俩拼命的在展馆里转悠。等到排到展馆门口时,工作人员给我们扫描入馆用凭单条形码,我们一看都呆了。
进去后我们直奔入口处的垃圾箱,果然在那里发现了媒体预展会的凭单!双年展的记者证在展馆的垃圾箱里!这属于双年展的小秘籍(现在参观费要20欧元)。
威尼斯双年展两年举办一次,主要分三个展览形式。其中之一是在Biennial车站(这里的车站其实是水上巴士站)附近的主会场“庭园"。
古时的造船基地“Arsenal "。
其次,是在威尼斯大街小巷中散布的三个卫星展馆。
整个盛典被称作Biennial(双年展),展馆的车站名也叫Biennial,真有点搞不清楚呢。还有各个国家策划的国际馆和由主馆长(位居艺术总监)Bice Curiger亲自策划的展馆。展览主题为『ILLUMInations』(启蒙)。
『庭园』内,各国展馆按照世博会的方式林立,诉说着100多年来现代美术的宏伟历史。各国艺术家代表也以本国展馆为大本营,纷纷施展才华。日本的代表是TABAIMO。展馆内不一定是独个作家的作品,也有展出多个作家合集的。 主展馆的入口。庭园
各国艺术展的盛况由『庭园』的队伍就可见一斑。美国,英国都是长长的队伍,德国,法国人声鼎沸。日本也吸引了很多人。“Arsenal"里的意大利展馆倒是有些破旧。
『庭园』内先声夺人的是美国馆。倒置的卡特彼勒(Caterpillar)坦克上有人在跑步。
约莫等了30分钟后,我们来到飞机的头等舱木雕模型边。在上面做体操表演的可是奥运会金牌选手!
随后是镶嵌在一架管风琴内的自动取款机。
好可怕。阿萝拉和卡萨迪拉(Jannifer Allora and Guillermo Calzadilla)的群组作品体现了美国狰狞的一面。屏幕上Manny在念念不休。
法国馆展出的是Christian Boltanski。环绕展馆的转轮机上循环播放着婴儿的头像照片,里间房播放着是婴儿和成人的蒙太奇。左右的房间里展示的是倒计时。好像在隐喻什么,看不懂。
在绿树成荫的展馆区内闲庭信步,我们发现一个极为显眼的大家伙。那个宽阔的展示空间专供本次双年展的主馆长(位居艺术总监)Bice Curiger所用。
展馆的天棚上列居着群鸽标本。去年去世的Sigmar Polke作品。该画作呈网点状,如同旧式打印机的噪声一般,波涛之上张开一块塑料板,蛮灵的。 考虑模仿做一个。展品中不乏即具实用性又具装饰性的作品。
这里是固定的双年展展馆咖啡厅。很漂亮。内部装潢着逼真的错觉图谱,长时间待在那儿视力都要下降了。模仿一个!
接下来是很酷的瑞士馆。用锡纸,碎瓶,杂志等垃圾构建的奇异空间。要想模仿这个,只需把垃圾随地乱扔就行了。不过这种密度,广度,相当赞。酷啊,学一个。
至此,是小学程度的双年展『庭园』区报道。总体来说,『庭园』区布满了展馆,密度之大足以让人感受到双年展的气氛。
第二天晚上,我们穿着短裤T恤去了中东区(具体忘了),时间地点活动完全搞错了,简直毫无头绪。宫殿……第三天
Arsenal
由于第二天我们从垃圾箱里翻到了入场券,今天四人可以同时入场。团体实验室的作品依旧还没设置好,卫星展馆『FUTURE PASS』的招待会于当天下午6点开始。 作为朋友,我很担心。但即使我陪着一起也无济于事,暂且把『FUTURE PASS』放一放吧。我们出发前往另一个主展馆,Arsenal。
由造船厂大型仓库改建而来的展馆入口小小的,看起来就像是个虎头蛇尾的半成品。与绿树成荫的双年展展馆截然不同,这儿的展馆在水面上。 进入展馆,豁然开朗!这是宋东的古建筑解构及再建作品。接下来,是Christian Marclay的作品『The Clock(钟)』。它取自世界各国的电影片段,把片中人物傻傻等待的镜头与时钟精心配合剪辑出来。我足足观看了差不多一个小时,还在纳闷这怎么也看不到结尾呢,后来一打听才知道这个作品时长24小时。8月6日开始它将在横滨三年展(Yokohama Triennale)上放映,到时候我再去看足全场吧。到此为止是主馆长设置的所有区域。我觉得还是世界各国争芳斗艳的混合作品观览行程最好。这里需要说明的是,威尼斯双年展上龙蛇混杂。各国的展馆都是自主管理,与其说是艺术展,其实更像本国的贸易洽谈会。当我们到达意大利馆时,一群作家密密麻麻的排列着,与其他参展国一比,高下立现。卫星展馆
在人来人往的Biennial和Arsenal之外,威尼斯大街小巷中还散落着小展馆。团体实验室参展的『FUTURE PASS』就是其中之一。威尼斯到处都是百年以上历史的古老建筑,无论如何装扮都很有味道。真是让人羡慕的城市啊。
我们认认真真的游览了卫星展馆,但还是有漏拍的照片。散落在威尼斯大街小巷中的卫星展馆如同迷宫一般。大概是因为各团体都可以随便参加的缘故,所以质量好的好,差的差,良莠不齐。
Punta della Dogana现代美术馆始建于17世纪,近年曾经安藤忠雄之手补修过。里面展出了许多著名现代美术作家Jeff Koons,村上隆,Mike Kelley,Sigmar Polke等的作品。
最后一夜大家去酒吧尽兴。历史上威尼斯是填海而成,因而土地狭窄。连酒吧都很狭小。所以为数不多的酒吧里都很拥挤。DJ在用MacBook放音乐,虽然不知道是什么曲子,但是我瞥见他用的是iTunes……果真是,神奇的威尼斯啊。比起对文化没什么兴趣的当地人来,世界上的艺术大财团们纷纷在这些现代美术馆内收集大量展品,籍此显示自己的雄厚实力。在威尼斯,美丽的小岛加上历史悠久的街道,构成了奇妙的观光岛屿。虽然不太自然但也算是世上独一无二的盛典了。让人不由生出『观双年展后,今生无憾』的感慨。Posted by:
古屋藏人
曾任职“SAL magazine"编辑部,后转为自由作家。主打设计,视频领域的编辑。著有“视频作家100人"和“2027"等著作50多本。还担任网络指导,交互内容制作,视频制作,BEAMS商品指导等工作。现在与伊藤雅敏等人合作经营可穿着式JPG店『TEE PARTY』。
Teamlab的视频作品“生命即生命力的展现"(下文“生命")原为台湾的初次独展所作,后作为为数不多的日本人作品在2011年6月开始的威尼斯双年展上展出,直至11月27日结束。该作品在卫星展馆“Future Pass – From Asia to the World"(未来之路-从亚洲到全球)内,与由村上隆执印的KaiKai KiKi作品同时展出。从“生"字起笔,立体展现了草木发芽,生命出现,季节轮回的整个生生不息的生命历程。6月4日威尼斯双年展的记者预展会第三天结束时,我就该作品的诞生背景以及作品的内涵采访了刚忙完展示布置和招待会的Teamlab社长猪子先生。"初演参展"的缘由—-台北有个Kaikai Kiki的个人艺术展,今年可以说是Teamlab的艺术展之年,能谈谈参加商业展的缘由么?猪子 今春之际,Pixiv的片桐孝宪先生引荐了村上隆先生来我们公司,当时给他看了这部视频作品,村上先生赞到“这还挺不错的." ,于是我们就觉得应该能直接参加台北的Kaikai Kiki展出。
如果不介意的话,请把村上先生就这件事发表在PUBLIC-IMAGE.ORG上的文字 也引用一下吧(笑)。直到那个时候,我们都没意识到Teamlab的视频作品还可以卖,因为我们一直以来都是以技术人员场内指导设置和维护为前提的。比如“百年海图卷"这个作品需要多台投影仪合作。上映时间为“100年",因此工程师们不得不连接电脑来操作。而新作品“生命(2011)"则是首次将其作为创作者所拥有的艺术作品。这回的威尼斯是第三站,台北,香港,威尼斯,之后还要去瑞士的艺术芭莎(Art Basel)展出。现在我们收到的邀请是源源不断。“百年海图卷"展现地球的海面上升过程的日本画风格动画视频作品。有两个版本,一为浓缩的10分钟版本,二为实际的100年进程的版本。—-以往Teamlab的视频作品主要是将日本画用3D动画表现出来,这回使用书法来表现的契机是什么呢?猪子 大前提是想让买家可以自娱自乐,因此要去除技术的壁垒,将其创作成普通鉴赏物。所以这幅作品的前提即,既要适用于16:9的投影仪,也要可以在电视机上播映。本来我们有创作过一些 “书法作品." ,但是我们觉得在亚洲文化圈内没法透彻的展现这个。说到日本文化,其实并不是很清晰的区分美术和文学,还有画卷和漫画等等,而通常都是带插图的文化。卷轴等是肯定有插图的。西方文字可以说是追求客观上的文字美,而书法则是需要了解谁在什么样的背景下写了什么内容的一种鉴赏性质的文化。书法家这个概念也是在近代之后才出现的。比如历史上有弘法太子投笔作书这样的故事。文字的作用是引起其他人的共鸣,本来是客观的载体,但日本人从一开始就将其作为主观个人思想的一种表达方式。我觉得这个挺有趣的。日本人打心底里认为完全客观的正义也好,善恶也好,这种绝对的东西是不存在的,更没有好莱坞式的那种绝对的大恶。而书法就是受其背景所影响,规则较缓和的一种形式,由于它反映的是写作书法的人的精神世界,这个很有趣。这和现在有些人手机里没表情图标就没法发邮件一样,比如说“等着呢♡"和“等着呢(ToT)",同样的文字但意思就不一样了。当然西方人反而可能不怎么用了(笑)。
本来文字是客观的东西,但是日本人就会想加入些主观的东西进去。书法数码化的念想—-那么请谈谈这回用“生"字的主意吧。猪子 我没仔细问过书法家紫舟先生,我自己的感觉是,女朋友觉得我的生活方式欠妥,希望我有 “顽强的生命力" 这种意思含在里面。 “生"生字里面有个点,日本象棋里也有“王字加点则成玉"的说法,我认为是加上去变得更强的含义。最初看到那个字时,大家很单纯的就觉得还不错吧,Teamlab公司本身也有一种要奋斗生存下去的氛围。村上先生发出邀请的时候说,没时间了就用过去的作品吧,但我们还是想创作个新作品出来。当时大家集思广益的时候,书法就是最先被提出来的一个主题。“生命即生命力的展现"(2011)立体的 "生", 字辗转反复,演变成生机勃勃的四季。—-有考虑过与其他三部视频作品“花与尸"“百年海卷图"“黑暗中的生命之光"猪子 本次展出的作品中,首先是“百年海卷图"中历经100年的沧桑,在10分钟内表现出来的波澜壮阔。然后是两部新作品——表现文明和自然冲突的“花与尸",最后是“生命"这个书法作品。说起来也很偶然,我觉得和这回的日本地震以及海啸有点儿因果关系的意味。实际上,因为地震原本在台北的独展延期了一周,当时俯瞰已完成的会场布置时,就有这种感觉了。—-虽然是书法作品,但是将文字做立体旋转,用3D去表现的意味是什么呢?猪子 大约10年前我去台北,当时最新的设计酒店室内装潢就是用的书法。我很懊恼。同样具有汉字和书法,说日本不知者无过也好,说日本丧失了这样的文化也好,日本人就没有想到这一点。这让我有了要在书法中融入现代感的想法,于是这回应用到设计中,感觉挺酷的。这并不是由于现如今纸媒已经过度到数字媒体的原因,我们一直以来就想要将书法数码化,并追求酷炫的表现方式。书法是文学,是一种象形文字和图标。本来是在木石之上雕刻之物,连深浅都是有含义的。因此很适合用立体方式去展现。文字旋转之际,运笔的轨迹以及力道的增减便被生动的表现出来了。不管怎么说,我们是想让观赏者体会到“书法也很酷."。日本人原本是信息至上主义—-关于这回的威尼斯展出,村上隆先生在Tweeter上写道’只不过是没啥力道的表现混沌未来的创造作品,不给力的东西还是省省吧“,这该如何解释呢?猪子 我的私见是,这回以中国和台湾为首有不少亚洲人的作品参展,他的意思是’ 与西方文化不一样,东亚文化中高质量的作品是能够完胜西洋作品的。但是,把如此温和的作品带去威尼斯展出,比起西洋文化来,东亚的文化就略输一筹了。 “我们用数码形式发布作品,并不是说日本人本来就是物质主义者,而是说日本人是信息主义者。历史上有“千利休待秀吉唯一朵喇叭花"的桥段,从那第二天就可能枯萎的一朵喇叭花身上,秀吉不是看到了价值并给予了支持么。信息至上主义是日本自古以来的观点。然而我比较反感说信息化社会中,日本已经落后了这种说法。比如说织田信长把大家都从土地中解放出来,不允许地主和土地所有者的存在,人人搬走后都把自家的房产和领地一把火焚毁。也就是说,不赞成固定的价值观,而是关注附加价值,把那些附着于物件和土地上的东西都统统消除掉。从而GDP翻了10倍,商人,木匠,冶金工匠纷纷登上舞台。从这个层面来说,正是想表现这样的信息化社会,我们选择了数码的表现方式。—-那么,你认为什么是艺术品的附加价值呢?猪子 极致的说来,是对未来的一些启发,新价值的提示,表现的提案等等。对未来的附加价值的启发什么的,也就是对新市场的启发啦。萝莉控概念的输出—-这回与Kaikai Kiki一起参加威尼斯双年展,有什么感想么?猪子 村上先生的人气不是吹的,那个时候在威尼斯路上走,别人听说我是日本人时都是以“do 认识村上隆么?" 作为开场白的。会场里谁都知道Kaikai Kiki,在海外的漫画书店里也是与火影忍者和海贼王齐名的。因此我觉得由于像村上先生这种人的存在,我们国家的知名度也提升了,确实很不错。大家都想和村上先生交朋友,有些不合理也没办法,找我和我们的员工吧(笑)。而且,比起“达米恩•赫斯特(Damien Hirst)很酷,故英国酷"来,“村上隆很酷,因此日本很酷."更略胜一筹啦。—-这么说村上先生的表现方式有着更加浓烈的日本风格咯。猪子 没错。我们的最终目标是“爱屋及乌,爱Teamlab及日本",那将是对日本产业的巨大贡献。比方说,村上隆比铃木一郎对产业的贡献就要大。因为铃木先生是在美国打比赛,而村上先生则是把日本的文化输出到海外。展馆内我们的员工与意大利老奶奶搭腔时,她说她儿子快30岁了一直痴迷于日本的色情同人志,非常苦恼的过来咨询我们。当时有Kaikai Kiki的“Mr."作品展出,她好像问的是为什么日本人要用这种萝莉控的画法。这与平时她儿子藏在柜子里的色情同人志有着相似表现手法的艺术,让她开始认识到不应该否定儿子,而是尝试通过“Mr.."的画去理解她儿子,她说“说不定我可以理解并肯定我儿子."。这样的话,老奶奶与她儿子可能都会更加喜欢日本的东西,肯定日本的文化的吧。听了这件事之后,我觉得“Mr."的作品更棒了,我更加尊敬它了。那幅画使得人们在艺术场景中有真实的存在感。我们也想给日本产业做出这样的贡献。